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di GIUSEPPINA IRENE GROCCIA - Viktor Sheleg è uno di quegli artisti che non hanno mai cercato riparo sotto le strutture rassicuranti dell’accademia, anzi: fin dall’inizio del suo percorso ha sentito l’urgenza di liberarsi da ogni regola precostituita, di tradire le attese, di tradurre il mondo non secondo la logica del visibile, ma attraverso quella più sottile e bruciante del percepito. Nato nel 1962, in Lettonia, Sheleg è cresciuto tra colori e silenzi, scoprendo la pittura come atto necessario già da bambino. Fu sua madre, un’artista mancata, a consegnargli la prima scatola di colori a olio: un piccolo gesto che si rivelò fondativo, quasi rituale, come il passaggio di un fuoco sacro.

Il suo percorso artistico non si è mai piegato a una sola cifra espressiva. La sua pittura, piuttosto, si adatta come una pelle viva all’emozione del momento. La tela diventa così un campo di tensione in cui convivono figurazione e astrazione, forma e dissoluzione, concretezza e sogno. Non è importante se ciò che appare sia riconoscibile dall’occhio o appartenga all’indefinito: ciò che conta è la verità del sentire, la fedeltà a una vibrazione interiore che guida il gesto, e che trasforma l’atto pittorico in rivelazione.

Nel lavoro di Viktor Sheleg, l’astrazione non è un linguaggio scelto, ma un’urgenza interiore, un modo inevitabile di esistere sulla tela. La sua pittura si sottrae ai dettami della forma e del soggetto, per abbracciare invece una grammatica emotiva, istintiva, profondamente viscerale. L’uso del colore – mai ornamentale, mai scontato – si rivela come gesto rivoluzionario: non risponde a un’estetica codificata, ma nasce da una tensione interna, da una vibrazione autentica che scardina ogni schema.

Nel suo universo pittorico, l’osservatore non è guidato da un ordine gerarchico tra colore, tratto e figura. Al contrario, viene travolto d’improvviso da un turbine cromatico che precede ogni riconoscibilità, da linee che sembrano tracciate in uno stato di ascolto profondo, come se la mano dell’artista rispondesse a un richiamo interiore più che a un progetto. In Sheleg, l’astrazione è respiro, è pelle, è carne. È lo spazio stesso che diventa emozione.

Ogni sua opera si fa quindi atto di ricerca, indagine incessante di un altrove pittorico dove il segno non descrive ma evoca, dove il gesto non rappresenta ma svela. La composizione si apre così a nuove dimensioni percettive, dove l’equilibrio nasce dal rischio, e la bellezza si manifesta nella collisione tra energia e mistero. In questo modo, Viktor Sheleg non dipinge l’astratto: lo vive, lo abita, lo attraversa.

L’artista non ha mai dipinto per piacere o per mestiere: ha sempre dipinto per necessità. Per questo motivo, si avvicina alla tela solo quando ne percepisce l’urgenza, quando sente dentro di sé quell’energia irrazionale e potente che cerca una via per uscire. Ogni sua opera è un incontro, quasi carnale, con l’invisibile. Spesso il volto di una donna emerge da un mare di segni e cromie, come un’apparizione che si impone con dolcezza e autorità insieme. La figura femminile non è mai oggetto decorativo, ma soggetto dominatore, epifania simbolica dell’interiorità.

Così, il suo linguaggio pittorico si fa liquido, cangiante, irregolare, e proprio per questo autentico. Sheleg accorda la narrazione visiva allo stato emotivo, come un musicista improvvisa sul tema del giorno, come un poeta che trascrive un sogno senza rileggerlo. In un’epoca che esige definizioni, categorie, etichette, Sheleg risponde con l’ambiguità dell’arte vera, quella che non si lascia spiegare, ma solo vivere. E forse è proprio qui, in questa assoluta fedeltà a se stesso, che risiede il segreto della sua forza: nel coraggio di non chiedere il permesso, né all’occhio né alla mente, ma solo al cuore.

A completamento di questo ritratto intenso e appassionato, aggiungiamo le parole dello stesso artista, che in questa intervista ci accompagna dentro il suo universo creativo, rivelando visioni, impulsi e pensieri che animano la sua pittura.

Hai detto che quando crei un'immagine, sei guidato dalle emozioni e dall'energia. Puoi raccontarci di più su questo processo creativo?

Questo è un caso in cui mostrare è più facile che spiegare. La mia opinione soggettiva è che ci siano artisti che riescono a dare vita a un oggetto inanimato (un dipinto) e altri a cui non è dato. Un artista può possedere un elevato livello di tecnica, una grande esperienza e una diligenza invidiabile, ma i suoi quadri non hanno magnetismo, sono privi di vitalità, pur essendo altamente professionali. Un altro esempio è quando guardi un dipinto e non riesci a distogliere lo sguardo, sebbene l'artista non abbia un'alta professionalità.

Non mi avvicino alla tela quando sono emotivamente vuoto e non considero la pittura un lavoro. Per me un dipinto è come una partner con cui dialogare. Mi addormento pensando a ciò che non abbiamo concordato e, al risveglio, corro a dirle qualcosa di importante.

Potrei descrivere questo processo a lungo, ma non so spiegare da dove provenga questa corrente. Come emerge l'armonia dal caos di colori, macchie, linee e schizzi nelle tue opere?

È semplice e complesso allo stesso tempo. Bisogna saper individuare elementi di bellezza nel caos e incorporare l'improvvisazione attorno a questo concetto.

Le tue opere spesso raffigurano donne in modo affascinante e complesso. Cosa ti ispira in queste rappresentazioni?

Per me non c'è mai stata una scelta tematica. Qualunque cosa dipinga, è sempre una donna. Scherzo. 

Sono fondamentalmente un'astrattista, ma nella cacofonia dell'assenza di soggetto inizio a vedere l'immagine femminile. Di norma, l'immagine femminile occupa tutto lo spazio sulla tela e non rimane nulla di astratto.

Hai mai sperimentato altri media oltre alla pittura?

La ricerca infinita di mezzi di espressione e materiali! Metallo, filo metallico, carta, carta kraft, giornali, tessuti, schiuma, ecc.

Le tue opere ci invitano a mettere in discussione il conformismo e le norme sociali. Come si riflette questo concetto nei tuoi dipinti?

Accolgo con favore il teppismo nella pittura perché non si può andare contro la propria natura, ma mi piace anche quando è bello.

Quale messaggio vuoi trasmettere attraverso la tua arte?

È difficile da giudicare. Se c'è qualcosa del genere, lo spettatore lo vede, non lo so. Il mio messaggio non è urlare, non stringere le mani, non insegnare, forse è come un bacio a fior di labbra.

I tuoi insegnanti ti hanno consigliato di non proseguire gli studi accademici per preservare il tuo stile unico. Come hai vissuto questa scelta?

Sì, ho avuto una cosa del genere nella mia vita. Non direi che fossero insegnanti, ma per me erano persone autorevoli nel campo delle arti visive.

Un giovane con modesti risultati era contento di sentire parlare della sua individualità. Non capivo di cosa stessero parlando. Cos'è l'individualità? Volevo davvero studiare, affinare le mie competenze professionali, far parte di un team composto dalle stesse persone, ma alla fine ho seguito la mia strada, imparando i segreti della maestria attraverso l'autoformazione

Quali sono stati i momenti più significativi della tua carriera artistica?

Forse è successo quando avevo 12 anni e mi sono imbattuta in una scatola di colori a olio. Mia madre mi ha detto che quei colori le erano stati comprati molto tempo prima, anche lei voleva diventare un'artista, ma qualcosa non ha funzionato. Forse puoi farcela, mi ha detto.

Hai esposto in numerosi paesi e partecipato a importanti fiere d'arte. In che modo queste esperienze hanno influenzato il tuo percorso artistico?

Francamente, non ha influenzato in alcun modo la mia creatività, piuttosto dovremmo parlare di benessere materiale. Certo, quando i tuoi quadri vengono acquistati, c'è un incentivo a dedicarsi solo alla creatività, non alla distrazione dovuta al guadagno

C'è un'opera d'arte in particolare a cui ti senti più legata? Se sì, perché?

Da giovanissimo, vidi all'Hermitage un dipinto di Kees Van Dongen, "Donna con cappello nero". In questo dipinto rimasi colpito dalla lumeggiatura turchese sul volto della ragazza. Sembrava in contrasto con la cromia generale, ma allo stesso tempo costituiva un accento importante per l'intera opera. In seguito ci furono Van Gogh, Gauguin, Toulouse Lautrec, ma questa fu la mia prima impressione.

Qual è il tuo rapporto con i collezionisti e il mercato dell'arte contemporanea?

I rapporti con i collezionisti possono essere definiti armoniosi. Loro amano la mia arte e io amo la loro. Il mercato dell'arte contemporanea è un concetto metafisico, e bisogna adattarsi. Non c'è amore in esso, solo opportunismo, ma bisogna sempre essere se stessi.

Quali artisti, passati o contemporanei, hanno influenzato il tuo lavoro?

Ne ho già parlato in precedenza, potrei aggiungere Valentin Serov, Feshin, I. Repin, Kandinsky, Rembrandt, Picasso, Kathe Kollwitz, anche se ce ne sono molti altri...

Se potessi collaborare con un artista di qualsiasi epoca, chi sceglieresti e perché?

Forse René Magritte o Antoni Tàpies. È difficile dire perché questi artisti in particolare, è più una questione di intuito.

Come vedi il futuro della pittura in un mondo sempre più digitale?

Non ci penso, vivo e lavoro oggi.

Qual è la tua opinione sull'arte astratta e sulla sua evoluzione nel tempo?

La mia opinione soggettiva è che l'astrazione sia un'arte molto leggera. È molto piacevole praticarla, chiunque ha questa opportunità, a volte anche gli animali. Non credo che cambierà. La cromoterapia ha un effetto positivo sulle persone e, nell'interiorità, la pittura astratta è un accento insostituibile.

Pensi che l'arte debba avere un ruolo sociale o debba essere semplicemente un'espressione estetica?

Personalmente, sono a favore dell'estetica nella pittura in presenza di espressione. È positivo quando un dipinto ha un impatto sullo spettatore.

Che consiglio daresti ai giovani artisti che vogliono affermarsi nel panorama dell'arte contemporanea?

Se un giovane non ha talento come pittore, è meglio fare qualcos'altro, e se c'è talento, più lavoro, non avere fretta di dichiararsi al mondo

Qui puoi vedere tutte le opere di questo artista

Viktor Sheleg è un artista contemporaneo di origine lettone, la cui opera si distingue per una straordinaria forza espressiva e una visione artistica profondamente personale. Nato nel 1962, vive e lavora attualmente in Lettonia, dove continua a sviluppare la propria ricerca artistica.

Il talento di Viktor Sheleg è emerso fin dalla giovane età. Quando si presentò il momento di intraprendere un percorso accademico formale, furono gli stessi docenti dell’Accademia d’Arte a riconoscere la straordinarietà del suo stile già pienamente formato. A loro avviso, un’istruzione convenzionale avrebbe potuto limitare l’originalità della sua visione artistica; per questo gli venne consigliato di seguire la propria vocazione, dando pieno spazio a un linguaggio espressivo autonomo e distintivo.

La produzione artistica di Sheleg si caratterizza per un profondo senso di libertà e per una riflessione critica sulle convenzioni sociali e il conformismo. Le sue opere invitano lo spettatore a mettere in discussione le norme che regolano la nostra quotidianità, celebrando al contempo la bellezza dell’individualità e dell’autenticità umana. In particolare, i suoi intensi e affascinanti ritratti femminili sono testimoni della sua capacità di cogliere e rappresentare la complessità dell’esistenza umana con rara sensibilità. L’opera di Viktor Sheleg ha varcato i confini geografici, raggiungendo un pubblico internazionale attraverso la partecipazione a numerose e prestigiose fiere d’arte in tutto il mondo. La sua arte, apprezzata per l’unicità e la forza evocativa, ha lasciato un’impronta indelebile nel panorama artistico contemporaneo, ispirando critici e appassionati a osservare il mondo attraverso una lente più profonda e poetica. Oltre alla sua carriera artistica, Viktor Sheleg è sposato con Alla ed è padre di due figli, Maksim e Natasha.